Il y a longtemps que je m'intéresse à la calligraphie chinoise et japonaise, ainsi qu'à l'art du lavis, notamment la peinture de paysages chinoise (shan shui, littéralement "montagne et eau") et la peinture à l'encre japonaise (sumi-e).

J'apprécie notamment la sobriété de cet art, où seul l'essentiel est retenu et où la représentation méticuleuse d'un détail (un brin d'herbe, un oiseau ...) suffisent à représenter le tout (un paysage immense).

Totalement différente de la peinture occidentale, la peinture chinoise ou japonaise est plus importante par ce qu'elle laisse à imaginer, par les vides qu'elle laisse sur le support, que par ce qu'elle représente. Et je trouve cela fascinant.  Cela confine parfois à l'abstraction: ne conserver qu'une ou deux lignes de force qui constitue l'essence de la chose représentée. En ce sens, la calligraphie, spécialement la calligraphie chinoise, est une véritable abstraction du réel, chaque caractère (sinogramme) représentant une chose ou une idée. C'est un peu moins vrai pour le Japonais, où deux syllabaires (hiragana et katakana) coexistent avec les caractères empruntés à la Chine.

La parenté entre la peinture extrême-orientale et le haïku est dès lors évidente: même sens de l'essentiel, même art consommé de l'ellipse, même culture du moins pour en montrer (ou dire) plus. Du reste, bien des Maîtres du haïku étaient également des calligraphes renommés comme Ryokân ou Chiyo Ni, sans parler du grand peintre Buson.

Un poème se doit d'être soigneusement calligraphié et constitue un présent de choix. De même, peinture et poème peuvent se répondre, s'enrichir  mutuellement dans un jeu fécond et sans fin de miroirs. Dans le cas d'un haïku et d'une peinture, cela s'appelle un haïga. C'est un art difficile, car la peinture ne doit pas être une servile et littérale illustration du poème, qui ne doit pas pour sa part être une simple légende de la peinture.

Calligraphie et peinture à l'encre se confondent, dans la mesure où tous deux font appel aux mêmes outils, les "quatre trésors du Lettré": le papier, les pinceaux, l'encre (le plus souvent en bâtons) et la pierre à encre. La technique, d'après ce que j'en sais, est également la même et fait appel à la maîtrise du souffle et à un esprit serein, indispensable car le trait doit jaillir, parfait, du premier coup. Aucune retouche n'est possible. Une exigence incroyable.

Il y a quelque temps, Sounya Planes laissait un commentaire sur Manteau d'étoiles, ce qui m'a permis de découvrir son blog Trace et signe, ainsi que sa galerie sur Artmajeur. J'ai immédiatement aimé son art, enraciné dans la tradition transmise par son père, lui-même peintre et calligraphe, mais également nourri d'influences abstraites qui donnent à ses oeuvres un caractère unique.

Sounya aime aussi les mots, et chacune de ses traces est accompagnée sur son blog d'un poème dont elle est indissociable.

Je n'en dirais pas plus, n'étant pas critique d'art, j'espère simplement vous avoir donné envie de rendre visite à Sounya et à suivre de près ses traces et signes. N'hésitez pas à lui laisser un message sur son blog ou le livre d'or de sa galerie. Bonne visite!

Gérard Oury vient de disparaître, et avec lui une certaine conception du rire au cinéma, celle qui a accompagné mon enfance.

Basé principalement sur le comique de situation et le comique visuel, l'humour de ces films est inséparable des comédiens qui l'ont interprété: l'abattage et les mimiques d'un de Funès, la naïveté et la tendresse d'un Bourvil...

Nous n'échapperons sans doute pas à la programmation opportuniste de soirées-hommage, ce qui permettra aux différentes chaînes de repasser des films usés jusqu'à la corde. Les jeunes les verront sans doute avec un oeil ironique, car l'humour a bien changé depuis La grande vadrouille ou Les aventures de Rabbi Jacob.

Je crois que la rupture a eu lieu vers 1974, après le premier choc pétrolier. Avec l'arrivée de la crise, la vie est devenue plus dure, et l'humour s'est durci également. Fini le rire bon enfant, fini les mimiques et les tartes à la crème. De visuel, le comique a glissé vers le verbe, et surtout vers l'acide. Coluche a commencé son irrésistible ascension, et l'équipe du Splendid a imposé au cinéma un comique plus vache, basé avant tout sur les bons mots et les formules cultes ("c'est cela, oui", "j'étais sur le point de conclure", "vous croyez qu'il y a une ouverture?"). D'autres ont  suivi, l'humour est devenu réellement acerbe avec Etienne Chatilliez ou Cédric Klapisch.

L'humour " à la Oury" était bel et bien relégué au musée, et on le vit bien avec La soif de l'or (1993), où les procédés comiques directement hérités des années 70 se révèlent totalement usés et m'ont laissé une impression pénible. Le casting avait pourtant mis le paquet, avec Catherine Jacob, Tsilla Chilton (l'odieuse Tatie Danielle de Chatilliez) et un Christian Clavier récemment auréolé par le succès phénoménal des Visiteurs. Hélas, Clavier n'est pas de Funès, et la mayonnaise ne prend pas. Significativement, les nouvelles stars du rire ne peuvent s'insérer dans l'univers d'Oury.

L'humour est semble-t-il définitivement devenu plus cérébral, plus verbal et surtout presque invariablement vache. Si on rit, c'est de quelque chose ou de quelqu'un, le sommet en la matière me semblant être le dîner de cons de Francis Weber. Un film où j'ai ri, certes, mais un peu jaune, tout en appréciant la performance de Jacques Villeret, digne de celle d'un Bourvil en son temps.

Nostalgie? Oui, un peu, car l'humour devrait pouvoir être gratuit, s'exercer dans l'absolu et non pas aux dépens de quelqu'un. Il doit aussi pouvoir laisser l'intelligence au repos le temps d'un bon fou rire. Dès que l'intelligence s'en mêle, la vacherie n'est pas loin en matière d'humour. Je revendique le droit de rire idiot, car comme le disait Gainsbourg, la connerie est la décontraction de l'intelligence.

Si donc certains se demandent pourquoi on fait tout un plat de la disparition du créateur du Corniaud, qu'ils regardent quelques films sans préjugés et en oubliant leurs références comiques récentes. Ils y découvriront une époque sympathique où le rire pouvait être innocent.

Entendue sur France Info tantôt, cette citation que je trouve non seulement exacte mais aussi d'une force extraordinaire. La poésie, c'est la création (poésie vient du grec poein, créer), et bien sûr un monde qui ne crée pas est un monde qui meurt.

J'avoue humblement que je ne connaissais pas ce poète belge né en  1898 et mort en 1990. La chronique poétique hebdomadaire de Sabine Pacini en dit ceci:


Voici qui m'incite à me procurer les ouvrages de ce poète. Une rapide recherche sur Internet m'a permis de trouver ce poème:



Bel enchaînement de tercets! J'ai vraiment découvert quelqu'un. A creuser ...

Raymond Devos vient de quitter ce monde flottant, et bien entendu les louanges pleuvent et les hommages vont se multiplier dans les jours qui viennent.

C'est bien naturel pour ce clown merveilleux, pour l'homme qui aimait les mots au point de les associer dans d'improbables assonances, de jouer sur les homonymes et les multiples sens avec une virtuosité incomparable qui donnait à la langue française, d'ordinaire si précise, ce flou poétique qu'on prête à la langue japonaise.

Plutôt que sur les mots, je voudrais aujourd'hui m'attarder un peu sur l'homme. Un remarquable portrait de Raymond Devos a été diffusé hier soir sur France 2 (Raymond Devos : la petite fabrique du rire, un reportage de Jean-Pierre Metivet & Thierry Breton).

Raymond Devos y apparaissait dans toute son humanité. Il est frappant de constater à quel point il restait humble, en dépit d'un talent, voire d'un génie unanimement reconnu. Une chose m'a particulièrement frappé: son regard. Pétillant, chaleureux, c'était celui d'un enfant. Un enfant de 83 ans qui pouvait encore avoir le trac avant d'entrer en scène, attendrissant jusque dans son enthousiasme pour un train électrique ou un Meccano. Humaniste, il considérait la responsabilité du comique, celle de faire rire (c'est son métier, disait-il), mais sans vulgarité ni sans blesser inutilement les autres (il se montrait peiné des facilités auxquelles avait pu se laisser aller Coluche, auquel il reconnaissait par ailleurs un immense talent).

Derrière les mots qui virevoltaient et jouaient comme des papillons, derrière la musique (il avait appris à jouer à peu près de tout, et prenait encore des cours de flûte traversière), c'est ce regard d'enfant éternellement émerveillé que je retiens. Celui d'un homme touchant dont la devise était Qui prête à rire n'est pas sûr d'être remboursé.

Il me paraissait difficile, pour ne pas dire impossible, de passer après Issa. Je voulais vous laisser "redescendre" en douceur des sommets atteints par le Maître avant de continuer à vous soumettre mes propres haïkus.

L'humour et en particulier l'auto-dérision étant fréquent chez les haïjins, voici donc un article qui vaut le détour, écrit par quelqu'un qui n'apprécie manifestement pas le haïku, petit poème a la con très très court originaire du japon, et donc souvent à chier (sic!)

Nos amis japonais apprécieront, d'autant que l'auteur illustre sa percutante analyse d'un poème de Bashô, excusez du peu!

Tous les goûts sont certes dans la nature, mais si vous n'aimez pas ça, n'en dégoûtez pas les autres!

En tout cas, je suis ravi d'apprendre que je suis dans la VIBE du moment (re-sic)